Qysh nga kohët e lashta deri në ditët e sotme, portretizmi na ka treguar të vërteta themelore për njerëzimin dhe identitetin, kushdo qofshin subjektet.

Portretizmi ka një vend unik në historinë e artit. Duke parë se kush është portretizuar dhe si, mund të përftojmë njohuri mbi historinë shoqërore, kulturore dhe politike që asnjë lloj tjetër pikture nuk mund t’i ofrojë. Fakti që na ofron mundësinë të lidhemi me individë që kanë qenë ose janë njerëz të gjallë, na bën atë një nga zhanret më të aksesueshme dhe të dashura, është i vetmi zhanër që ka galeri të dedikuara vetëm për të dhe ka shërbyer si frymëzim për ekspozita të shumta të mëdha. “Portretizmi qëndron përtej zhanreve të tjera të artit, pasi shënon kryqëzimin midis portretit, biografisë dhe historisë. Ata janë më shumë sesa vepra arti, kur njerëzit shikojnë portrete, mendojnë se po takojnë atë person,” thotë Alison Smith, kuratore kryesore në Galerinë Kombëtare të Portreteve në Londër.

Origjina e këtij zhanri shkon prapa në kohët e lashta, ku ai shërbente për funksione të ndryshme, nga lavdërimi i të pushtetshmëve deri te kujtimi i të vdekurve. Shekujt I dhe II pas Krishtit në rajonin Fayum të Egjiptit Romak prodhuan portrete tepër natyraliste që vendoseshin mbi arkivolët e mumjeve. Mendohet se mund të kishin qëndruar në shtëpitë e njerëzve gjatë jetës së tyre, dhe pas vdekjes vendoseshin mbi kokën e mumjes për të ndihmuar udhëtimin e tyre në jetën tjetër. Në Romën e Lashtë, skulptura portretike përdorej për të përkujtuar të vdekurit ose për të festuar arritjet e të gjallëve. Në të dyja rastet, vëmendja ishte e përqendruar në prejardhjen e personit, që ishte shumë e rëndësishme në shoqërinë romake. Portretet perandorake ishin mjete të vlefshme propagandistike. Vendoseshin në tempuj të kultit imperial dhe ishin dizajnuar për të frymëzuar frikë dhe nënshtrim.

Edhe pse pak shembuj portretizmi nga Mesjeta kanë mbijetuar, ato që janë përdornin qëllime të ngjashme me ato nga koha klasike. Mozaikët e mrekullueshëm jetësorë të Perandorit Justinian dhe Mbretëreshës Theodora në kishën San Vitale në Ravenna, që datojnë nga shekulli i 6-të, janë një shembull spektakolar i demonstrimit të pushtetit. Portrete të veçanta të njerëzve të rangjeve të mesme shoqërore nuk u shfaqën deri në shekullin e 15-të, me pikturën e njohur të Jan van Eyck, “Martesa e Arnolfinit” nga viti 1434, që është një ndër portretet e para në histori dhe shumë i njohur. Portreti i çiftit, me fytyrat e tyre shumë reale dhe simbolikën misterioze brenda pikturës, mbetet tepër i popullarizuar në Galerinë Kombëtare të Londrës.

Gjatë Rilindjes artistike, portretizmi u zhvillua në maksimumin e tij. Kjo është menduar shpesh si rezultat i një rritjeje të vetëdijes për individualitetin, e nxitur nga interesimi në humanizëm, por Matthias Ubl, kuratori i ekspozitës së fundit “Remember Me” në Rijksmuseum, paralajmëron kundër këtij qëndrimi të thjeshtëzuar. “Ishin shumë faktorë që ndihmuan lulëzimin e portretizmit atë kohë,” thotë ai për BBC Culture. “Ishte një periudhë inovacioni dhe tronditjesh. Humanizmi u bë shumë i rëndësishëm, kështu që edhe vetja u bë e rëndësishme në njëfarë mënyre, por nuk ishte gjithçka. Rritja e qyteteve solli një elitë tregtare që donte të imitonin fisnikërinë duke u portretizuar.” Këta tregtarë të pasur donin të tregoheshin të suksesshëm, por kishte disa pritshmëri të shoqërisë që duhej t’i përmbushnin për hir të moralit. “Në lojë ishin ende Kisha, rregullat e bashkësive profesionale dhe ata duhej të përmbushnin atë që pritej nga shoqëria, qoftë si gra të virtytshme apo tregtarë të mirë,” thotë Ubl.

Këta tregtarë shihen në portretet e Hans Holbein, “Portreti i Georg Gisze” dhe Jan Gossart, “Portreti i Jan Jacobsz Snoeck”. Si shumica e tregtarëve të asaj kohe, ata ndoshta tregtonin një gamë të ndryshme mallrash. Megjithatë, çdo referencë për këto mallra mungon në portrete, ndoshta sepse lidhej me punën manuale. Ata preferonin të shfaqeshin të veshur luksozisht dhe rrethuar me letra, dokumente dhe mjete shkrimi, duke theksuar statusin dhe pasurinë.

Edhe pse statusi dhe pasuria e grave ishte e dukshme në rrobat dhe bizhuteritë që mbanin në portrete, nga pritshmëritë patriarkale ato duhej të theksonin bukurinë dhe virtytin. Bukuria konsiderohej shpesh si manifestimi fizik i virtytit. Edhe dikush kaq me pushtet sa Mbretëresha Elizabeth I e dinte se autoriteti i saj bazohej pjesërisht te imazhi si “Mbretëresha Virgjëreshë” e martuar me Anglinë. Në Portretin e Armada-s, pikturuar për të festuar mundjen e flotës spanjolle, dora e saj qëndron me siguri mbi një glob. Jakna e saj është e zbukuruar me perla, një simbol i përshtatshëm i virgjërisë nga deti.

Përjashtim nga kjo rregull ishte portreti vetjak i artisteve femra, si ai i Catharina van Hemessen, “Autoportreti në Atelien” nga viti 1548, ku ajo portretizohet duke punuar në artin e saj. “Ky është portreti i parë që dimë që tregon një artiste duke punuar në një atelier. Është interesante që kjo të jetë bërë nga një femër në një kohë kur ato ishin shumë të rralla,” thekson Ubl.

Rëndësia në rritje e portretizmit u konsolidua në shekullin e 17-të kur Akademia Mbretërore Franceze krijoi një hierarki zhanresh dhe vendosi portretizmin të dytin vetëm pas pikturës historike. Supozimi ishte se do të dokumentonte të mëdhenjtë dhe të mirët dhe do të shërbente si shoqërues për zhanrin më të lartë. Kjo ide e re për portretizmin solli krijimin e galerisë së parë të portreteve, si ajo e Charles Willson Peale në Filadelfia në vitet 1770, me figura që kishin nënshkruar Deklaratën e Pavarësisë. Galeria Kombëtare e Portreteve në Mbretërinë e Bashkuar u hap më 1856, me portretin e parë në koleksion, atë të William Shakespeare. Edhe pse këto galeri grumbullonin vetëm portrete të figurave të shquara, duke përfshirë paragjykime në bazë klase, gjinie dhe race, jashtë tyre portretizmi po bëhej më i ndryshëm. Gjatë shekullit të 19-të, portretizmi u lidh gjithnjë e më shumë me klasën e mesme në rritje, e cila po fitonte më shumë pushtet dhe ndikim ndërsa monarkët u detyruan të dorëzonin autoritetin ndaj parlamenteve. Shfaqja e fotografisë ndihmoi në demokratizimin e portretizmit, ashtu si edhe ndryshimet në perceptimin e rolit të individit në shoqëri. Vetë artistët luajtën një rol të rëndësishëm duke sfiduar konventat sociale në zgjedhjen e personazheve që portretizonin.

Portretet vetjake kanë qenë gjithashtu pjesë e rëndësishme të shprehjes artistike. Autoportreti ikonë i Van Gogh, “Autoportreti me vesh të mbështjellë”, i pikturuar pas ngjarjes kur i preu pjesë të veshit pas një konflikti me Gauguin, është dëshmi e fortë e vendosmërisë së tij për të vazhduar pikturën pavarësisht traumës. Ai është në qendër të ekspozitës aktuale të autoportreteve në Courtauld.

Paula Modersohn-Becker, së fundmi objekt retrospektive të madhe në Schirn Kunsthalle në Frankfurt, gjithashtu portretizoi veten, gra të tjera, fëmijë dhe fshatarë lokalë. E ndikuar nga portretet Fayum që zbuloi në Paris rreth vitit 1905, portretet e saj kanë një intensitet psikologjik të rrallë për kohën, veçanërisht në portretizimin e grave. Edhe pse zgjedhja e modeleve ishte pjesërisht e rastësishme, ajo trajton me dinjitet edhe subjektet më të varfra. “Ata ishin më të varfrit në shoqëri dhe ajo u dha një ajër përjetësie, pothuajse shenjtërie,” thotë kuratorja Ingrid Pfeiffer. Dashuria e saj pothuajse panteiste për natyrën duket në gjithë veprat, përfshirë autoportretin më të famshëm, “Autoportreti në përvjetorin e gjashtë të martesës” (1906), ku shfaqet e zhveshur pjesërisht dhe duket shtatzënë, edhe pse nuk ishte. “Barku i saj është simbol i pjellorisë, si njerëzore ashtu edhe artistike,” thotë Pfeiffer. Modersohn-Becker ishte e vetëdijshme për talentin e saj, por njëkohësisht e dinte që temat që trajtonte ishin tabu dhe veprat nuk mund të ekspozoheshin gjatë jetës së saj.

Ashtu si Modersohn-Becker, artistja e shekullit 20, Alice Neel, sfidoi konventat. Duke refuzuar ekspresionizmin abstrakt që dominonte botën e artit, ajo përdori portretizmin si mënyrë për të krijuar një histori vizuale të epokës së saj. E tërhequr drejt njerëzve në margjina të shoqërisë, ajo ishte në gjendje të kritikonte rrethanat e tyre pa u privuar dinjiteti. “Për të, portretizmi është një mënyrë për të ndryshuar shoqërinë,” thotë Lucía Agirre, kuratore e ekspozitës së portreteve të Neel në Guggenheim, Bilbao.

“Ajo kishte një simpati të veçantë ndaj modeleve të saj. Zgjedhte njerëz që i pëlqente, fëmijë rrugësh, aktivistë, shokë që ishin shkrimtarë komunistë. Për të këta njerëz kishin diçka për të thënë,” shpjegon Agirre. Neel kishte një lidhje të veçantë me vuajtjet emocionale dhe fizike të grave, sidomos grave të varfra si vetë ajo, dhe nuk shmangu temat tabu, përfshirë abuzimin familjar me fqinjën e saj Peggy. “Në 1949 ajo bëri një portret të bukur të Peggy, ku duken shenjat në fytyrë por njëkohësisht i jep dinjitet. Në atë kohë ishte diçka që nuk flitej,” thotë Agirre. Edhe pse Neel nuk u njoh për portretet e saj inovative deri vonë në karrierë, natyra e tyre dokumentare dhe demokratike tregon vazhdimësinë e rëndësisë së portretizmit dhe funksioneve të shumta që portretet mund të kenë. Ato përkujtojnë, festojnë dhe na tregojnë kush kemi qenë dhe kush jemi sot.

Praktikat e kaluara të koleksionimit dhe fakti që shumë figura të njohura nuk patën kurrë mundësinë të pikturoheshin ose fotografoheshin, do të thotë se galeritë e portreteve nuk mund të jenë kurrë përfaqësuese plotësisht të së kaluarës së një kombi, por sa më afër të ardhmes që shkojmë, aq më gjithëpërfshirëse bëhet përfaqësimi. “Kriteret tona për pranimin janë shumë më të gjera tani. Shkojnë përtej figurave politike, fetare dhe ligjore. Janë më demokratike dhe sot festojmë forma të ndryshme arritjesh,” thotë Smith. Dhe paragjykimet historike po adresohen.

Mungesa e përfaqësimit të grave është diçka që Galeria Kombëtare e Portreteve po përpiqet ta përmirësojë gjatë kohës që është e mbyllur për rinovim. Po bëhet hulumtim mbi gratë që janë në koleksion dhe do të bëhen blerje të reja. Me një gamë kaq të madhe portretesh për të zgjedhur, ka rreth 12,000 në koleksionin kryesor dhe rreth 400,000 në koleksionin reference, është pothuajse e pamundur të zgjidhen veçoritë më të mira. Por kur pyetet për këtë, zgjedhjet e Smith theksojnë natyrën unike të portretizmit dhe arsyet pse ai mbetet kaq i dashur nga publiku. Vizatat e Hans Holbein për Henry VII dhe Henry VIII, studime paraprake për një pikturë tashmë të humbur, dhe Portreti Ditchley i Elizabeth I, na transportojnë në orbitën e disa prej monarkëve më të njohur britanikë. Ato janë gjithashtu vepra të mrekullueshme arti në vetvete.

Portreti i William Shakespeare dhe ai i motrave Brontë nga vëllai i tyre Branwell, që Smith gjithashtu i përzgjodhi, nuk janë vepra arti të shkëlqyera, por janë shumë të njohura nga publiku, thjesht sepse ofrojnë një lidhje me figurat e dashura letrare. Autoportreti i Laura Knight me model është zgjedhur sepse është “një vepër kyçe për historinë e grave në art”, ndërsa nga porositë më bashkëkohore Smith përzgjodhi portretin e Malalës nga Shirin Neshat që ka tërhequr shumë vizitorë. Dhe sigurisht, përtej të mëdhenjve dhe të famshmëve, njerëzit më të thjeshtë kanë mundësinë të festohen çdo vit në Çmimin BP për Portret, edhe pse ai është në pauzë gjatë kohës që galeria është e mbyllur. “Është shumë popullor sepse njerëzit në atë ekspozitë janë njerëz të zakonshëm. Mund të jetë motra jote, vëllai yt apo ndonjë model që ke gjetur në rrugë dhe të ka rënë në sy,” thotë Smith.

“Është ajo bashkësi njerëzish. Në të kaluarën ishte një shenjë pushteti, statusi apo fame, ndërsa tani portretizmi ka më shumë të bëjë me ekzistencializmin. Ka të bëjë me psikologjinë, kush janë dhe si përshtaten në shoqëri. Ka të bëjë me identitetin,” thotë Smith. Qoftë perandor, aktor, aktivist apo person i thjeshtë në rrugë, kjo është diçka që na bashkon të gjithë, dhe shpjegon pse portretizmi nuk do të ndalojë kurrë së tërhequri vëmendjen tonë./BBC/KultPlus.com